Un ciel d'orage sur la route du sud. Madagascar. Photo © Marc-André Pauzé - Tous droits réservés

Avec l’été et les vacances, certains se promettent de voyager un peu. Si vous comptez vous rendre à Londres et que vous possédez un iPhone, vous pourrez faire quelques petits voyages dans le temps. Le Museum of London a conçu une petite application (app) pour le iPhone. Si vous prenez des photos dans la ville (à une centaines d’endroits précis et déterminés sur une carte téléchargeable), l’application superposera une photo ou une illustration historique par dessus la vôtre.

Voilà une utilisation intéressante de Google Map et du GPS incorporé dans votre téléphone… et une démonstration de la valeur patrimoniale de la photographie de rue!

Henri Cartier-Bresson, Srinagar, Cachemire (1948)

Par Marc-André Pauzé

“Photographier c’est mettre sur la même ligne de mire la tête, l’oeil et le coeur.” – Henri Cartier Bresson

L’oeil du siècle. Henri Cartier-Bresson, “le Maître”, a parcouru la planète pendant plus de 40 ans afin de saisir le moment décisif. Avec un savant mélange de méditation, d’instinct et de réaction instantanée, il déclanchait sa Leica au moment précis qui lui permettait d’immortaliser une scène avec un soucis de la composition et de la géométrie.

Il disait (dans le dernier vidéo de la liste ici-bas, à la 16e seconde) qu’un photo-reporter se prépare avant d’être dans l’action. “Tout d’abord, il faut réfléchir. Quel est le contexte? Comment s’inscrit mon reportage dans une continuité? Puis une fois sur place, il ne réfléchit plus. Il laisse venir à lui la réalité et intuitivement, il tire. Bang!”

Pendant l’intensité des manifestations étudiantes de 1968, (France), il a prit une moyenne de … quatre photos à l’heure!

Aujourd’hui, avec les caméras numériques, on peut prendre plus de quatre photos … à la seconde!

” La divine proportion, intuitivement je sais où ça tombe. Et ça je peux rien dire de plus. C’est le nombre d’or et ça on sait où il tombe, le nombre d’or. … C’est l’oeil.”

“La sensibilité, l’intuition et le sens de la géométrie. Il n’y a rien d’autre. On l’a ou on l’a pas”

Depuis dimanche, au MOMA (Museum Of Modern Art) de New York, nous pouvons voir une grande partie de son oeuvre, et ce jusqu’au 28 juin.

Henri Cartier-Bresson, fils de la bourgeoisie française, se destinait à un avenir d’artiste, lorsqu’un de ses professeurs de dessin lui signifia son manque de talent. Il se munit donc d’une caméra et commença à parcourir le monde. Il était un spécialiste du réseautage et il connaissait tout le monde. Il a saisit sur sa pellicule des moments de la vie des plus grands du XXe siècle (Picasso, Gandhi, Capote, Giacomitti, Matisse etc.)

Mais il ne se contenta pas de documenter le quotidien de ses célèbres amis. Il fut prisonnier de guerre pendant trois ans et fut l’un des premiers occidentaux à avoir un accès privilégié dans la Chine de Mao. Il franchit le rideau de fer pour documenter la vie en URSS. Il était avec Gandhi quinze minutes avant son assassinat et du coup Il était sur place pour ses funérailles.

Considéré comme l’inventeur du photojournalisme, il a aussi fondé Magnum avec ses copains Robert Capa, George Rodger et David “Chim” Seymour . Sa formation d’artiste, associée à sa personnalité de philosophe en a fait un des grands penseurs humanistes du siècle dernier.

D’ailleurs, il est très intéressant de le voir dans un documentaire qui a été réalisé alors qu’il était âgé de 90 ans passé. On peut apprécier son éloquence et son esprit dans ce vidéo en cinq parties, mais avec le recul du sage qui ne pratique plus depuis près de trente ans son art. Puis, un plus vieux document (les 2 derniers) où on le voit à l’oeuvre dans les années 50, accompagné de ses témoignages à l’apogée de sa carrière.

Pluie et puissantes bourrasques de vent à New York - Photo © Marc-André Pauzé - Tous droits réservés

Par Marc-André Pauzé

Une escapade à New York est toujours pour moi, un moment privilégié pour faire de la photo de rue. En effet, la métropole américaine est encore un endroit où la photo peut se faire relativement facilement. Ainsi, le week-end dernier, j’étais de passage à Manhattan. Malheureusement, une énorme dépression venue de l’Atlantique était aussi de passage. Une pluie torrentielle et des vents de 80 km/h ont transformé la ville en cimetière de parapluies.

Le mauvais temps a créé des embouteillages, des retards et même des annulations de vols et de transport ferroviaire. Alors qu’on s’apprêtait à quitter dimanche matin, la gare Penn Station, sous le Madison Square Garden, était bondée de voyageurs en attente de savoir ce qui adviendrait de leurs déplacements.

C’est après quelques heures d’attente, que nous avons finalement entendu: “Passengers for Montreal, All aboard”.

Michel Ducharme, Huntington Ravine, Mont Washington -1989. Photo © Marc-André Pauzé

Par Marc-André Pauzé

Un projet qui m’a été proposé récemment, m’a fait replonger dans mes vieilles archives de photos de montagnes. La qualité des scans pourrait être meilleure, mais l’essence de ces souvenirs est néanmoins intense. Maintenant il faudrait que je sorte mes vieux carnets d’expéditions pour retrouver les récits accompagnant ces photos.

Un éleveur au marché d'animaux de Douz. Photo © Marc-André Pauzé - Tous droits réservés

Par Marc-André Pauzé

En tant que raconteur d’histoires visuelles je recherche toujours de nouvelles façons de m’exprimer. Après avoir exploré le noir et blanc pendant quelques années, j’appréciais le caractère et les qualités narratives des histoires photographiques en N&B. Nous sommes bombardés et submergés par de l’imagerie en couleur plastique. J’ai donc poursuivi mon exploration de nouvelles finitions photographiques pour mes documentaires visuels.

J’ai trouvé un traitement qui conserve le pouvoir narratif et émotif du Noir & Blanc tout en ajoutant des caractéristiques propres à la peinture classique pour représenter la réalité sans distraire l’oeil avec des couleurs saturées et criardes.

Vous pouvez visionner mes récits visuels mis à jour afin de tirer profit de ces qualités et ainsi exprimer ma vision personnelle de ces histoires.

Social meeting in the edge of Sahara.

Photo © Joey Lawrence

Par Marc-André Pauzé

Quelles sont les chances que deux photographes prennent le même homme en photo, à plusieurs années d’écart. Comme je naviguais sur le site de Joey Lawrence, je suis tombé sur une photo d’un homme avec des pigeons sur lui. “Je connais cet homme, me dis-je”. Je me mis à fouiller dans mes archives et je trouvai ce que j’y cherchai. Le même homme, plus jeune. J’ai pris cette photo lors d’un arrêt de 24 heures à Paris, en direction de Madagascar. C’était en 2004.

JoeyL est un jeune photographe, âgé de 20 ans, avec un portfolio impressionnant et une carrière bien établie. Il vient d’être nommé “TTP’s Travel Photographer of the Year” sur le blog de Tewfic-El Sawy, un blog que je lis à tous les jours.

Je vous encourage à visiter le site fantastique de Joey et celui tout aussi intéressant de Tewfic où il nous présente quotidiennement les travaux de photographes ainsi que ses opinions sur des sujets pertinents. Deux bonnes destinations pour vos lectures.

Le site de JoeyL

Photo © Marc-André Pauzé - Tous droits réservés

Une table de bois, un calepin de note et une Leica argentique avec un film noir et blanc. Photo © Marc-André Pauzé/αR - Tous droits réservés

Par Marc-André Pauzé

Argentique ou numérique? Si on m’avait donné un dollar à chaque fois que l’on m’a posé cette question lors de mes expositions, je pourrais peut-être m’acheter la nouvelle Leica M9 numérique (~ 7000 $). Depuis la circulation des premières rumeurs, en juillet 2009, jusqu’à son annonce le 09/09/2009, la nouvelle caméra Leica numérique avec capteur plein format est la seule caméra à pouvoir exploiter toute la richesse des meilleurs objectifs au monde; les objectifs de la classe M de Leica. Une légende renaît.

L’ingénieur en chef de Leica, Oskar Barnack a inventé le format 35mm en 1905. C’est d’ailleurs à cet ingénieur que l’on doit les 36 poses des films argentiques. En effet, lorsqu’il a dût établir une longueur au film enroulé sur une bobine, il a pris la distance entre ses bras étendus, ce qui correspondait à 36 poses d’un film de 24 x 36 mm. S’il avait eu les bras plus longs, nous aurions eu des films de 40 ou 43 poses!

Les caméras Leica M sont commercialisées depuis 1954 et avaient très peu changé avant la mise en marché de la M8 (numérique) en 2006. Mais cette dernière ayant reçu plusieurs critiques des photojournalistes, profession qui a donné ses lettres de noblesse à la marque, beaucoup attendaient la sortie d’une caméra M digne de la M4 ou de la M6 (encore beaucoup utilisée par les reporters-au long cours préférant travailler en argentique, dont Anthony Suau, gagnant du World Press 2008). Avec la sortie de la M9, les forums sont animés de discussions passionnées et intenses (dont cet exemple sur Lightstalkers).

J’aimerais bien essayer cette caméra numérique, mais j’ai encore beaucoup de plaisir à utiliser ma M6 (entièrement mécanique et assemblée à main). D’ailleurs, pour une fraction du prix de la M9 (1/10e), je pourrai bientôt m’acheter un excellent scanner à film et poursuivre ma démarche photographique avec un archivage et une gestion numérique de mes photos argentiques. Mais pourquoi ce plaisir à utilisé un format de capture d’image que plusieurs considèrent comme archaïque?

Certains évoquent la qualité insurpassable de l’argentique ( ce qui est faux), ou la nostalgie de manipuler le film. Ces explications ne correspondaient pas à ce que je ressentais. Il y a quelques choses à l’échelle humaine dans cette pratique de la photographie. D’ailleurs, j’ai un projet de documentaire en cours: “L’homme prénumérique ”. Une documentation des métiers ancestraux au Québec. Des métiers ou profession qui reposaient sur une technologie mécanique ou un savoir-faire manuel, donc sans électronique et encore moins informatique. Je veux faire ce projet avec ma Leica argentique plutôt qu’avec ma Nikon numérique.

Et je suis tombé sur cet article d’Asim Rafiqui, un photojournaliste dont je vous ai déjà présenté quelques travaux.

(extrait en traduction libre):

Je préfère travailler en argentique parce que c’est un processus plus humain, complet avec toutes les faiblesses, erreurs, craintes, inquiétudes, soucis, et doutes qui me définissent en tant qu’être humain. Oui, naturellement, le numérique a tous les avantages utilitaires (rapide, moins onéreux*, images plus nettes, facilité de livraison), mais le film conserve tous les avantages créatifs.

La photographie argentique demeure un processus plus lent, qui exigence une plus grande concentration et conscience puisque les erreurs ne peuvent pas être corrigées avant que les résultats soient vus. C’est également un processus rempli de doute, de crainte et d’incertitude. Il exige de nous confronter à la crainte et de travailler pour créer quelque chose qui nous motive. Les résultats sont inconnus, notre mémoire est incertaine de ce qui a été  saisi, et nous continuons à revenir, à regarder, à explorer et photographier. Les doutes nous motivent, nous définissent, et nous poussent au surpassement. La crainte met à jour les enjeux et les sujets de notre esprit (…)

(…) Je photographie en argentique parce que cela me donne davantage une chance d’être qui je suis, complet avec tous mes imperfections et mes doutes. Je photographie en argentique parce que j’embrasse aujourd’hui mes faiblesses et propensions plutôt que d’essayer à les surmonter avec des jouets électroniques. Je photographie en argentique parce que je dois aller plus loin dans mon âme, ma psyché et ma sensibilité et aspirer à cet endroit où, un jour moi aussi, je pourrai trouver quelque chose à dire et à montrer – quelque chose d’unique, quelque chose d’admirablement fragile, quelque chose d’humain.

- Asim Rafiqui

* Le coût moins élevé de la photographie numérique est très relatif, si on tient compte de tout l’équipement électronique qu’il exige, ainsi que sa mise à niveau beaucoup plus fréquente.

Liens:

L’histoire de Leica

Un essai en profondeur de la M9

Vidéos Leica

C’est la fin d’une époque! Kodak a annoncé le 22 juin la fin de la fabrication de la pellicule Kodachrome, après 74 ans de fabrication et après qu’elle eut conquit le titre de pellicule couleur la plus vendue au monde. Plusieurs grands photoreporters, dont Steve McCurry, ont fait la gloire de ce film au cours de ces années et qui a été immortalisé dans une chanson de Paul Simon.

Déjà, Kodak ne le produisait plus qu’en un seul format, 35 mm ISO 64, un fois l’an. Le traitement des pellicules devrait être assuré jusqu’à la fin de l’année 2010, date de péremption portée par les dernières pellicules commercialisées.

Cette pellicule diapositive requiert un traitement de finition pratiquement artisanal. Complexe, il n’est pas accessible à un amateur. Un seul laboratoire dans le monde se charge encore de ce traitement, Dwayne’s Photo Service, situé aux États-Unis, celui-ci est donc toujours effectué par correspondance.

Mais sa longévité et l’exactitude du rendu des couleurs font dire aux photographes qui l’ont utilisé, que c’est une grande perte pour le monde de la photographie.

Dans 100 ans, si vous avez des yeux et une diapositive Kodachrome, vous pourrez la mettre devant une source de lumière et avoir accès à une image dont les couleurs ne se seront pas altérées.

- Daniel Bayer, photographe responsable du Kodachrome Project

Le magazine Fortune a réalisé, sur son site web, un diaporama célébrant sa gloire, en sélectionnant une série de photographies commençant en 1939.

L’Union des Photographes Créateurs (UPC), un organisme français, rend disponible un guide pour aider les photographes à déterminer le prix d’une cession de droit. Une photographie est une oeuvre de création et son auteur en détient les droits. Les organismes (presse et autres médias) qui veulent les utiliser, payent pour avoir le droit de les utiliser selon différents paramètres (rapport de la photo avec la page, durée, tirage, endroit où se retrouve la photo dans la parution). Ainsi, les clients louent une photo. Ils ne l’achètent pas.

Ce guide est à télécharger pour les photographes qui veulent s’en inspirer dans l’établissement de leurs contrats.

Il est intéressant de noter en page 24, qu’une photographie apparaissant dans un journal télévisé vaut 165 Euros et plus. Ainsi, toutes les bonnes gens qui envoient gracieusement leurs photos à TVA (et donc à Québécor) pour contribuer à MONTOPO, devraient charger l’équivalant de cette somme ou du moins la moitié. Au lieu de cela, ils doivent remplir un contrat stipulant qu’ils cèdent TOUS leurs droits sur LEURS images et que TVA peut en faire ce qu’il veut après les avoir reçues. Voici la cession de droit tel qu’on la retrouve sur le site de TVA/Montopo (notez le paragraphe 3 et 4).

La cession des droits moraux implique que TVA peut se servir des photos hors-contexte ou même pour des besoins commerciaux. Quelle belle façon de se créer une banque d’images à peu (ou plutôt pas) de frais. La FPJQ (Fédération Professionnelle des Journalistes du Québec) et l’AJIQ (l’Association des Journalistes Indépendants du Québec) se sont prononcés contre ces pratiques qu’on retrouve aussi dans les contrats pour pigistes professionnels.

1. Je confirme à Groupe TVA inc. (« TVA ») détenir tous les droits (y compris les droits d’auteur) sur les photo(s), video (s) ou enregistrement (s) (le « Matériel ») que je transmets à TVA.

2. J’atteste que le Matériel est une œuvre originale, authentique que j’ai réalisé sans enfreindre aucune loi ou réglementation.

3. Je cède irrévocablement, pour toujours, et gratuitement à TVA tous les droits sur le Matériel et je renonce à mes droits moraux sur ce Matériel.

4. Je comprends que TVA pourra utiliser, modifier, diffuser ou autrement exploiter une partie ou la totalité du Matériel sur quelque média que ce soit ainsi que diffuser mon nom en association avec le Matériel, sans cependant avoir aucune obligation à cet égard.

5. Dans le cas où le participant est un mineur, les droits et obligations ci-dessus à l’endroit du mineur participant doivent être pris par le parent ou tuteur signataire de la cession au nom du mineur.

Peut-être que si TVA devait payer les droits des photos de MONTOPO, il y aurait moins de photos de la “fête du petit dernier si mignon” pendant le téléjournal et un peu plus de photographies d’informations.

Le barème de l’UPC à télécharger.

Site MONTOPO de TVA.

Site de l’AJIQ

Site de la FPJQ